Gentagne gange, i interviews i løbet af sin senere karriere, sagde Scott Walker, at hans tekster definerede hans tilgang til at skrive musik. Teksten dikterer alt på dette album, sagde han i et interview fra 1995 om Tilt . Hvis det fortæller mig at ændre tidspunktet eller hvad som helst, vil jeg adlyde teksten, for det er der, den kom fra. Ironisk nok hævdede Walker dog, at hans kreative fantasi med sangskrivning blev låst op af en kunstner, hvis tekster han kun kunne forstå marginalt.
Den visionære singer-songwriter og komponist, der døde i en alder af 76 i denne uge , beskrev den åbenbaring, han oplevede omkring 1967 i de mest romantiske mulige vendinger, og gengiver et arketypisk billede: af en tidligere kunstner, der bliver myndig i en musikindustri, han følte sig mere og mere ude af kontakt med. The Walker Brothers, den faux-britiske-invasions-pop-enhed, hvor den amerikanskfødte Walker først slog sit navn op, var netop slået op, og han huskede, at han kortvarigt levede med en tysk pige ... som havde en vane med at drikke en masse Pernot. Til langt ud på natten spillede hun plader af Jacques Brel, en moderne franskmester sang. Musikken gjorde et uudsletteligt indtryk på Walker.
amy shira teitel gift
Brels stil var overstrømmende, defineret af talens rytmer. Mange af hans sange beskrev scener, der lignede den, Walker levede i, da han hørte dem. Scott, Walkers overdådigt orkestrerede solodebut fra 1967 indeholdt adskillige Brel-sange i engelsk oversættelse. Pladen indeholder kun tre originale kompositioner (og flere ikke-Brel-covers), men Walkers tidlige forsøg på symbolistiske tekster og formelt eksperimenterende sangskrivning passede bemærkelsesværdigt godt ind i langt mere erfarne sangskriveres arbejde. Gennem sine næste to albums ville Walker fortsætte med at se Brel som noget af en forlængelse af sig selv, idet han investerede den franske sangers kompositioner med en personlig samtaleevne, på skift vituperativ (Jackie, Next) og længselsfuld (If You Go Away, Amsterdam). På tidspunktet for Walkers tidlige mesterværk Scott 3 , lød nogle af hans bedste kompositioner - sange som Copenhagen og The Girls From the Streets - næsten ikke til at skelne fra de Brel-omstøbninger, der stadig omgav dem.
https://youtube.com/watch?v=BGlDo-bUpFs
Brel lærte Walker, at klarhed i tale og lyrik var alt - en lektion, der satte skabelonen for de næste 50 år af hans ikonoklastiske karriere, som var defineret af seismiske skift i tilgang, nogle gange gennemført i løbet af hele årtier brugt uden for offentligheden øje. Til sidst var Walkers sange kompromisløse minioperaer, der opgav al sans for traditionel syntaks, så fulde af referencer til historie og film, at man nogle gange følte, at pladeomslaget skulle indeholde en ordliste. På trods af musikkens kompleksitet arrangerede han den for at rumme maksimal vokal forståelighed. Når han diskuterede hans arrangementer om, hvad der kan stå som både hans mest udfordrende og visionære arbejde, 2006's Driften , Walker beskrevet hans hensigt meget enkelt: Meget lav ende, meget høj ende, med stemmen i midten lige hvor den skulle være. Det forhindrer folk i at holde fast i enhver form for kunstværk.
Den måde, hvorpå Scott Walkers librettoer fungerer sammen med deres akkompagnement, er nøglen til skønheden og genialiteten ved mange af hans største musikpræstationer. Gennem alle sine drastiske stilistiske konverteringer var han en mester i ordmaleri, hans musik interagerede med hans tekst på detaljerede og dybe måder. Det er stadig svært at vikle dit hoved om, hvordan manden, der startede med at svaje hofterne og synge Burt Bacharach-melodier som medlem af Walker Brothers, endte med at indspille 2012'sSDSS1416+13B (Zercon, A Flagpole Sitter), et atonalt, grimt 22-minutters epos om Hunneren Attillas dværgbanenar. Der er dog masser af bindevæv, der tyder på, hvordan Walker kom dertil, og bestemt en fælles etos, drevet af en trang til at skabe en meningsfuld forbindelse med lyttere, uanset hvor dissonant eller intens materialet er. Tanken er at få teksten til at give genlyd, sagde Walker i 1995. Det er for at få gang i denne resonansfaktor. Jeg skærer ikke op, jeg er ikke sådan en forfatter. Jeg kan bare fortælle dig, at det ikke er let. Jeg er nødt til at arbejde på det, og venligst, nogen andre arbejder på det, når de lytter.
I det produktive sidste årti af sit liv fortsatte Walker med at finde uventede nye fortællinger og musikalske metoder til at ledsage dem. Kun få kunstnere har formået at skabe nogle af deres største værker i 70'erne, og det er fuldt ud muligt, at Walker stadig havde et andet mesterværk i sig, da han døde. For nu kan vi dog se tilbage og værdsætte, hvordan han kom til at være en mageløs figur i slutningen af det 20. århundredes musik: gennem hans udviklende sans for musikalsk fortælling. Selvom Walkers fortolkninger af musik af Brel og andre er en væsentlig del af hans katalog, vil den følgende liste udelukkende fokusere på hans originale kompositioner.
Pigerne fra gaden (1968)
Før han begyndte at undgå vers-kor-sangstrukturer i slutningen af 70'erne, brød Walker fra tidens popmusiks trends ved at bebo karakterer, og skabte dem ofte med groteske vokalskift fra den ene til den anden. I sine kvalmende fortællevendinger og vokale levering, Scott 2 's The Girls From the Streets finder genklang med nogle af de berusede farcer på Walkers sidste soloalbum fra 2012, der ikke er lydspor Bish Bosch . I dette tidlige eksperiment med Brel-agtig sangskrivning håner Walker, falder under tonehøjde og puster ud i dramatiske vindstød, mens pneumatiske horn- og stryger-oompaer fremkalder versenes sømløse billedsprog. Fortælleren finder flugt i hedonisme, som traditioner ville have os til at tro, at Walker gjorde det selv på det tidspunkt, og akkorderne lysner op, når det sjove begynder. En karrusel begynder at dreje (se også København), bakket op af cirkuslignende klokker og harmonika. Tempoet øges usikkert, mens karusellen drejer rundt, og pigerne med samme navn slår et ordløst omkvæd op bag Walker og fuldender vrangforestillingen.
Det regner i dag (1969)
I en vis forstand begyndte den avantgardistiske ikonoklastversion af Scott Walker, der dukkede op i slutningen af 1970'erne med den indledende toneklynge i denne sang, det uudslettelige første nummer af Scott 3 . Et strygeorkester giver en sonisk stormsky, der hænger over versene og fremkalder de øjeblikke, der falder ned på [hans] rude. I den mere solrige og rigt orkestrale bro er der et kort pusterum. Walkers fortæller husker kort en tidligere forbindelse med en anden person, men lader derefter øjeblikket forsvinde ind i det overbelastede mørke.
The Old Man's Back Again (Dedikeret til det neo-stalinistiske regime) (1969)
Inspireret af invasionen af Tjekkoslovakiet i 1968 under Warszawapagten, Scott 4 højdepunktet er et tidligt eksempel på, at Walker skriver specifikt om en historisk begivenhed, og på hans interesse for historier om diktatur og krig, som ville vare resten af hans karriere. Den ildevarslende gamle mand (Stalins spøgelse, måske?) rager i omkvædet takket være dønninger fra et underjordisk mandligt vokalensemble. I andet vers behandler strenge linjer krigens ofre ømt; senere ledsager de en granatchokerede soldats historie (fortæret af hans smerte/forvirret af de ansigter, der går forbi ham) med uberegnelige udbrud.Da soldaten husker sin mors død, bremser vægten af hukommelsen næsten sangen til at gå i stå.
Time Operator (1970)
Walker beskrev 1970'erne 'Til bandet kommer ind , den første LP i en række kontraktlige forpligtelsesalbum fra den tidlige del af årtiet, som et resultat af, at hans pladeselskab fortalte ham: We're get off you as a writer. Den anden side af albummet var alle covers, inklusive en ret overbevisende version af Bill Withers' Use Me. Men den første halvdel var helt Scott, men mere tøjlet, end han havde været tidligere, for det meste opererede langs den mere voksen-moderne side af Scott seriens spektrum. Et par numre i midten af albummet opererer dog i et anderledes stilistisk rum og minder ikke meget om andet i hans katalog. Time Operator er pladens mesterværk, booket af en telefonoperatørs faste stemme - den første brug af direkte støj i en Walker-optagelse. Et lyrisk orkesterakkompagnement dukker op, men kort efter kommer en bongo-drevet jazzkombination ind for at bakke op om det sirupsagtige, croonede omkvæd. (Tidsoperatør/Tag dig tid til at tage dig tid/at komme herover.) Walker synger med en overdreven accent og leverer en monolog af en underklassemand, der kæmper for at betale sine regninger og jager efter telefonoperatøren. Det finurlige arrangement understøtter enhver dramatisk vending i hans historie.
Elektrikeren (1978)
stephanie soo alder
Elektrikeren er uden tvivl Walkers første stykke skrevet i en i det væsentlige klassisk form, gennemkomponeret uden gentagelse af afsnit. Den svævende strengklynge i It's Raining Today fortoner sig grimmere og tættere, opvejet af basstød og metalliske skrig et sted i det fjerne. Den midterste sektion har en mere solrig indvirkning, men Walkers faldende bøn om at dræbe mig og begejstre mig bliver snublet i mærkelige modale toner. Der er en sygelig effekt af det hele - en slags kærlighedssang, men om trænet CIAtorturister i Chile under Pinochet-regimet. Walkers modne lyrikstil, fragmenteret og obskur, er her i fuld kraft:Han borer gennem spiritus sanctus i aften/Through the dark hip falls /Screaming 'Oh you mambos.'
sharon stone nettoværdi 2020
Spor fem (1984)
Walkers comeback-album fra 1984 Jægerens klima var en halv times ukarakteristisk musik, placeret et sted mellem klassisk kunstsang og forkanten af new wave. Nogle sektioner er åbne vidder af omgivende lyd; andre har Mark Knopfler guitarsoloer. Track Five begynder i æteren, med rolige guitarharmonikere, ubestemmelige droner (A low volume force feed/lower than pity), og Walkers stemme stiger foreløbigt ud. Bandet kommer larmende ind, næsten parodisk, med et primitivt fire-på-gulv-backbeat. Akkorderne skifter ind og ud af tonearten og trækker konstant tæppet ud under lytteren. Overskyet i slapback synger Walker om pain sonics evigheder, med sætningskonstruktioner og frasering, der opererer kl. Jabberwocky niveauer af uudgrundelighed. I codaen gentages takten og en spinkel dur-akkord til evighed , der fremkalder sangens sidste billede: efterbrænding.
Bouncer See Bouncer (1995)
Da Walker diskuterede sit senere arbejde, sagde han engang: Vi ved ikke, hvad akkordernes navn er, men du famler bare rundt, indtil du finder de passende lyde til det. Du skal vælge spillere, der er ... en forlængelse af din psykologiske lyd. På 1995'erne Tilt , for første gang passerede lange dele af sange uden akkorder eller instrumentale tonehøjder at tale om. 'Bouncer See Bouncer', et af albummets mest minimale stykker, er for det meste en duet for Walkers sørgmodige vokal og raslende percussion, blandet med fugle- og insektstøj (græshoppernes glorie). Bandet spiller ikke en akkord, før den betagende flugt fra den korte midtersektion, forstærket af et massivt kirkeorgel:Jeg elsker denne sæson uden dens kløft/venstre krog til højre fod, højre kryds til venstre. Musikken trænger ind som en tynd solstråle gennem fængslets tremmer, en forvildet håbefuld tanke fra en mand, der er ved at blive henrettet.
Jesse (2006)
Driften 's Jesse er den slags sang, der gav Walkers arbejde i 2000'erne et ry som uigennemtrængeligt. Det er også et af Walkers mest varige paranoide mikrodramaer. Jesse ser ud til at være skrevet fra Elvis' perspektiv, der fortalte sin dødfødte bror om et mareridt, han havde, der var forudsagt 9/11. Hvert afsnit af teksten har sit eget klanglige miljø: tektoniske blokke af strygere og industriel percussion, frenetiske opretstående bas- og cello-glyffer, fjerne og atonale strums på en barytonguitar og til sidst stilhed. Jeg er den eneste tilbage i live, råber Walker gentagne gange, A cappella, at afslutte sporet. Hvorimod Tilt havde lejlighedsvis triumferende omkvæd og ydmyge melodier, Driften havde kun plads og tekstur, med foruroligende, ofte direkte skræmmende fortælling til at organisere det. Det står som Walkers mest formidable udgivelse; man kunne bruge et helt liv på at finde nye måder at spore mønstre i det.
SDSS14+13B (Zercon, A Flagstange Sitter) (2012)
Brugen af Bosch i titlen på Bish Bosch er ingen ulykke : Zercon, en dværg fra det 5. århundrede, der var hofnarr for Atilla og diversebyzantinskledere, er den karakter i Walkers pastiche, der fylder mest. Ligesom en craven og grotesk figur i et eller andet hjørne af et Hieronymus Bosch-maleri, pontifiserer, raver, skriger og hulker han i hele 22 minutter, mens akkompagnementet svinger mellem de blødeste og mest højlydte øjeblikke (med streger af industrielt metal) hørt på ethvert Scott Walker sang. Zercon er et mikrokosmos af Walkers sene stilarter, med et par store perverse drejninger. Zercon ser Atillas træpalads, nu hans fængsel, som et stort toilet, og Walker forestiller sig toiletting på væggen med romertalstelefonnumre. Det nærmeste, sangen kommer på et omkvæd: III V IX IX I, II IX V I IV IX I, og så videre. Dens største one-liner: Hvis lort var musik, ville du være et brassband.
Fortællingen suges dybt ind i Walkers anakronistiske og forskruede fantasi, mens Zercon prøver forskellige podier...for at forsøge at komme til et sted, hvor der hverken er bund eller top. Onomatopoeia og musikalske billeder løber gennem Zercon, fra fugaer på Joves Spam-kastanetter til drop-kicked coloratura, der tilsmudser mine ører. Det er sikkert at sige, at ingen sang som Zercon eksisterede før den, eller vil efter.
